En la Edad Media y durante el Renacimiento aún no existían los oboes como tal, pero sí las chirimías: instrumentos de doble lengüeta, tallados con nueve agujeros; consideradas como las principales antepasados del oboe.
Van a estar en auge durante estos dos periodos de la historia, puesto que eran los instrumentos de viento madera más comunes.
La chirimía estaba, gracias a su sonido (para entendernos, parecido al de una dulzaina: ronco y estridente), destinada para ser tocada en interiores, y es por eso que acaba evolucionando su forma: se estrecha su taladro para poder ser tocada en interiores.
Pero en el sXII se empiezan a "hacer" oboes, muy muy rudimentarios, en Poitou.
Ya en el sXVI, de la mano de Michael Praetorius en su Syntagma Musicum descubrimos la familia de aquellos instrumentos antepasados del oboe (antes de esta fecha los instrumentos no se agrupaban por familias):
Chirimía pequeña (43 cm).
Chirimía discantus (66 cm), el primitivo oboe actual.
Pommer (bombarda en alemán, otro antecesor del oboe) alto (97 cm).
Pommer tenor (1,3 m)
Pommer bajo (1,8 m)
Pommer contrabajo (2,7 m)
Estos instrumentos, sobre todo la chirimía discantus, sirven de predecesores del oboe. Destacar que las gaitas también tienen relación con cómo se desarrollan todos estos instrumentos.
LA NOTACIÓN La notación musical en esta época ya va siendo similar a la actual, dado que con la aparición de la imprenta ya no va a ser necesaria la transcripción; cabe destacar la aparición de los compases. EL BAJO CONTÍNUO Se trata de la melodía más grave de una composición asociada a una sucesión de acordes, bien escritos o cifrados. Recordemos que en el Renacimiento primaba la estructura igual a cuatro voces. Pues bien, en el Barroco se deja a un lado esta igualdad para favorecer el protagonismo de la polaridad bajo - soprano, mientras que la zona intermedia pasa a segundo plano como zona acordal. La melodía para solista con acompañamiento de acordes sustituye pues al estilo polifónico. A medida que la densidad de las obras crece, el bajo continuo va a desempeñar la función que más tarde hará el director de orquesta. Destacar que el bajo cifrado se refiere a la técnica de acompañamiento, con carácter improvisatorio, en el que se escribe solamente el bajo con cifras indicando los acordes exigidos.
LA INSTRUMENTACIÓN
La aparición del bajo continuo hace que los instrumentos se dividan en dos categorías:
Fundamentales, para acompañar:
Polifónicos, que realizaban acordes: clave, órgano, laúd, tiorba).
Melódicos de registro grave, que reforzaban la línea del bajo (fagot, viola de gamba).
Ornamentales, que ejecutaban la melodía (violines, flautas traveseras, voz humana).
ESTILO CONCERTATO
Es la oposición entre diferentes masas sonoras y tímbricas.
Por eso cabe destacar que a raíz del incremento que se da en esta época en la densidad sonora de las obras: aparece la orquesta y pervivie la policoralidad surgida en Venecia, junto con la exploración de múltiples combinaciones de voces e instrumentos exploradas.
Vamos a analizar en este post y en el siguiente las principales características musicales del periodo barroco.
LA MELODÍA
Las melodías en este periodo esta constituidas por uno o dos motivos que a su vez se ornamentan (trinos, floreos, mordentes,...) y suelen ser melodías breves.
Estos motivos se exponen de forma contrapuntística: imitación, retrograación, inversión, transposición, reducción y ampliación.
Predomina la articulación breve: apenas se encuentran grandes legatos. Destacan los picados stacatto, las ligaduras de a dos o de a tres y los portatos.
La disonancia se trata de una forma distinta, provocando esto que la melodía sea diatónica y cromática. Van a predominar los grados conjuntos, aunque aparecen nuevos intervalos melódicos.
LA TEXTURA
Se presentan tres principales texturas:
Contrapuntística: aunque diferente a la renacentista. En el Barroco esta textura se organiza a partir de relaciones tonales entre las células/motivos de la melodía.
Acóridca: es la textura homófona del renacimiento, pero ahora se reconoce al acorde como una entidad sonora.
Monodia acompañada: caracteriza el Barroco. Destaca por la polaridad melodía-bajo junto con un relleno armónico. Si se combina la textura contrapuntística con la acórdica surge un tipo especia de esta textura (propia de las trio-sonatas y dúos vocales operísticos).
LA ARMONÍA
Se basa en el acorde, vinculado a la afinación temperada (división de una octava en 12 semitonos iguales).
Se definen las tríadas como entidades sonoras independientes.
Se establecen las funciones armónicas más utilizadas: tónica, dominante y subdominante.
Se empiezan a emplear también acordes de quinta, séptima de dominante, séptima disminuida; cuarta y sexta como apoyatura de la dominante en las semicadencias.
Las cadencias más utilizadas son la perfecta, la semicadencia en la dominante, la rota y la plagal.
Se modula/flexiona a tonalidades cercanas, generando tensión.
EL RITMO
Destaca el contraste entre el ritmo libre (característico del recitativo operístico, tocatas y fantasías instrumentales) frente al ritmo estricto con pulso y acentuación regular.
En esta partitura se pueden apreciar algunos de los rasgos descritos arriba.
El Barroco es el estilo musical determinado por la aparición de la primera ópera, aproximadamente hacia el 1600, hasta la muerte de J. S. Bach, en 1750. Es una época importante puesto que se trata de un periodo largo, fecundo y revolucionario de la música en occidente. La música se va a desarrollar sobre todo en Italia (gran desarrollo de la música instrumental y la aparición de la ópera) y es por eso que la mayoría de la terminología musical está en italiano. Sin embargo, a finales de este periodo es Alemania el centro del desarrollo musical. Es importante mencionar que antes de este periodo, en lo que denominamos música antigua (desde el sV al sXVII) usaba el sistema modal: octoechos latino en la Edad Media y Dodecachordon en el Renacimiento; la música religiosa era el principal medio de desarrollo musical y el repertorio era esencialmente vocal. Pero a raíz de los últimos Madrigales de Monteverdi, el surgimiento de la policoralidad venceciana y la creciente relevancia de la música instrumental con la aparición de las primeras escuelas instrumentales ya se da paso al Barroco. Las principales características de este periodo son:
Éste post es a modo de curiosidad, puesto que últimamente leí bastantes cosas acerca de la alquimia y llegué a preguntarme si existía alguna relación entre ella y la música, y este es el resultado de mi investigación. La música interesaba a los alquimistas, puesto que la consideraban como el arte que hace audibles las vibraciones y permite experimentar los sentidos. Las leyes cósmicas que se utilizan en la alquimia son reconocibles también en la música. En Alejandría, una ciudad que fue muy importante para la historia de la alquimia, se establecieron ciertas relaciones entre los sonidos y las vocales, y entre las vocales y los planetas, quedando una relación tal que;
Alfa (A) = Luna
Epsilon (E) = Venus
Eta (H) = Mercurio
Iota (I) = Sol
Omicron (O) = Marte
Ípsilon (Y) = Júpiter
Omega (Ω) = Saturno
En la música también se encuentran los tres conocidos principios de la alquimia que son la Sal (el ritmo, que desarrolla la voluntad, concentración, atención y firmeza), el Azufre (la melodía, acceso al mundo de los sentimientos) y el Mercurio (armonía o timbre, portadores del sonido, desarrollando nuestra capacidad auditiva).
El intervalo musical más pequeño debía representar al átomo.
Atalanta Fugiens (1618) de Michel Maier (1568, tres doctorados, protestante, considerado un alquimista instrudio y competente) es una obra basada en el mito griego de Atalanta, el cual fue relacionado con la alquimia. El proceso alquímico se representa mediante 50 fugas, que se refieren a textos conocidos de alquimia (cada una de ellas va acompañada de una ilustración y un comentario). Esta obra recibió buenas críticas; posicionándose privilegiadamente en la literatura alquímica y musical, ayudó con sus ilustraciones del proceso alquímico mediante fugas y calcogracías con emblemas y textos de acompañamiento a abrir nuevas vías para entender la alquimia.
La forma de canon utilizada en la obra debía sonar arcaica, era su propósito, ya que se refería a la antigua sabiduría, que para él representaba un hecho real. Incluso Newton copió gran parte de su obra.
Monteverdi, con quien inicia la historia de la ópera, también tuvo algo que ver con la alquimia, incluso trabajó en ella hasta morir. Discutió con Maier sobre alquimia y con su amigo Ercole Marigliani.
Haydn y Mozart fueron francmasones. La Flauta Mágica (1791) está influida por conceptos masónicos y contiene símbolos alquímicos: la prueba de los cuatro elementos.
A partir de entonces, el alquimista se convierte en una figura cómica de la ópera: un embaucador o estafador estafado.
Es un pequeño resumen de todo lo que he podido encontrar, que no es mucho, pero algunas ideas eran complejas y por eso he reducido la extensión del post.
Hasta el siglo XV se vino utilizando la notación del Ars Nova con algunas modificaciones, pero en el Renacimiento se añadieron elementos nuevos.
Las composiciones en ésta época estaban escritas en particellas (partituras con el contenido de una única voz, interpretada bien por un solista o por un grupo de personas que tocan/cantan lo mismo).
Como en la notación del Ars Nova:
Cada breve (una cuadrada) equivalía a dos/tres semibreves (redonda). Traducido a los valores de hoy en día, es igual que una negra, que puede equivaler a dos o tres corcheas (tresillo).
Igualmente de la mínima (una blanca) se pueden obtener de dos o tres valores más cortos de cada semibreve. Estas permutaciones son llamadas "tempus perfectus/imperferctus" según la relación breve-semibreve y "prolación perfecta/imperfecta" según la relación semibreve-mínima.
La relación tres-uno se llama "perfecta" y a la dos-uno "imperfecta".
Si las figuras se encontraban aisladas, había reglas para reducir a la mitad o doblar su valor ("imperfeccionaban" o "alteraban, respectivamente).
La notación mesural blanca resultó de la popularización del uso del papel, sustituyendo al pergamino, y al ser más débil no permitía que la pluma rellenara las notas, al contrario que la anterior notación escrita en pergamino (la notación negra).
Más tarde sí que se rellenarían las notas, pero para indicar imperfecciones o alteraciones, por ejemplo. Las figuras que tenían la cabeza negra eran menos habituales: la cabeza de una mínima se rellenaba para generar una semimínima y al añadir uno o dos indicadores, se producía la fusa y la semifusa.
Notación mensural del sXV
Notación mensural anterior al sXV
El uso de las claves se regulariza en esta época (a pesar de que se llevaban usando desde el siglo XII) para que el ámbito de lectura no se saliera demasiado del pentagrama.
En el siglo XVII se añade la barra de compás.
También aparecen las tablaturas en esta época, bien para cuerda pulsada (laúd, tiorba) o de teclado (órgano) y había diferentes: alemana, española, italiana, inglesa, y francesa.
Es ya a finales del siglo XVI cuando la forma de estas notas, romboidal, se transforma en las cabezas redondas de hoy en día.
Como oboísta que soy, no puedo sino ir haciendo un repaso de la historia de mi instrumento a la vez que vamos viendo los distintos periodos musicales.
Para empezar, podemos remontarnos a las civilizaciones antiguas, como Babilonia y Mesopotamia, aproximadamente sobre el 3000 a.C., conocido como abud, y era completamente distinto al instrumento que conocemos hoy en día.
Elymoi
(flauta doble, de origen frigio, popular en Babilonia)
1000 años más tarde, un instrumento antecesor del oboe llamado majt tenía gran importancia en la música de Egipto. Tenía una doble lengüeta y su cuerpo estaba fabricado en tallos de bambú.
Zummara
(descendiente de la chirimía doble egipcia)
A su vez, en la civilización griega el aulos, el cuál poseía un timbre alto y poderoso, y era complejo de tocar. Como anécdota, a Platón este instrumento le causaba una sensación desagradable por su sonido agudo, y lo consideró un mal instrumento, llegando a manifestarse contra él en su obra "La República". Su discípulo Aristóteles dejó constancia de este instrumento de una forma neutral en "Arte Poética"
Aulos griego
Destacar que fue el instrumento aerófono más importante de toda la civilización griega. La educación musical era muy importante en esta sociedad, tanto que la ley dictaba que hasta los treinta años de edad era obligatorio el estudio de la música, y en ciertas ciudades como Atenas, Esparta y Tebas todo ciudadano aprendía a tocar el aulas.
Más tarde este instrumento aparecería en Roma también ( llamado tibia).
Respecto a las culturas orientales, en China (guan), Japón (hichiriki), India (sahnai) e incluso en África Occidental (algaita) también aparecen instrumentos similares, siendo también antecesores del oboe.
Guan y hichiriki
Para finalizar, he encontrado un vídeo, que está en inglés y es extenso, pero que explica muy bien en qué consiste el aulos, junto con otros instrumentos parecidos de oriente, por ejemplo en Iraq, e incluso enseña las cañas detalladamente.
