domingo, 30 de abril de 2017

EL OBOE DEL ROMANTICISMO

La estética del Romanticismo y la Revolución industrial dieron las circunstancias ideales para la evolución sonora y la mecanización del oboe. La delicada precisión del instrumento precisó del desarrollo mecánico de las máquinas. El espíritu romántico permitió investigar y probar hasta lograr el sonido que se deseaba en el oboe.

A partir de 1820 aparece el oboe de trece llaves de Joseph Sellner, profesor de orquesta en Viena quien ejerció durante mucho tiempo su influencia sobre la concepción alemana del instrumento. Había añadido algunas llaves dobles, creando su llamado «oboe de llaves», el más avanzado de su tiempo: la base del instrumento de estilo vienés utilizado hoy en día.
Fue también precursor del corno inglés moderno: un instrumento de cuerpo recto con el bocal curvo. Sus composiciones, estudios y sonatas dan fe de la capacidad del oboe hasta 1840, proporcionando además estudios útiles para el instrumento de hoy.

François Loreé crea su propia empresa de fabricación en exclusiva de oboes en 1881 (F. Lorée), continuando el trabajo y la tradición de Frédéric Triébert. Obtuvo el contrato como suministrador de oboes al Conservatorio de París en 1881. 

Frédéric Triébert
Se piensa que el profesor de oboe del Conservatorio de París, Georges Gillet, alentó a Lorée a que abriera su propio taller, y es el hecho de que Lorée obtuviera dicho contrato antes de fabricar un solo oboe bajo su propio nombre, y que colaborara con Gillet en la mejora del sistema . Desde entonces a este sistema se le llamó sistema conservatorio, el cual tenía como mejora que los tres primeros dedos de la mano derecha (índice, corazón y anular) podían operar el mecanismo del si3-do4.
Método de estudio, válido para oboe y también para saxofón

sábado, 29 de abril de 2017

TEENAGE ENGINEERING POCKET OPERATORS

Siguiendo la línea del OP-1, nos encontramos que el mismo fabricante, Teenage Engineering dispone también de sintetizadores de bolsillo.

Y la verdad es que sorprenden a cualquiera al poder tener tal cantidad de posibilidades siendo tan pequeños.



Los PO disponibles se dividen en la serie PO-10 (Sub, Factory y Rythm) y PO-20 (Arcade, Office y Robot) y el nuevo PO-32.

Al ser de bolsillo, todo se concentra en el tamaño parecido al de un móvil, y están compuestos por una pantalla LCD con gráficos animados, e incluyen motores reales de sintetización, sincronización, efectos (filtros, bit-crushing, delay, stutter,...). También incluyen metrónomo, alarma, y un altavoz, aunque también disponen de un jack de 3.5mm para auriculares o altavoz externo.

Todos tienen sonidos completamente diferentes, lo que les hace una adquisición perfecta para aquellos amantes de la música electrónica que les guste experimentar con sonidos que tienen una vertiente más underground.

Su relación calidad precio parece evidentemente buena comparándoles con otros sintetizadores de tamaño similar: tienen una gran amplia variedad de sonidos y su sonido es excelente frente a otros hardwares de tamaño similar que triplican su precio: se puede adquirir por nada menos que 69 euros.
Si recordamos el precio del OP-1, la verdad es que hay una diferencia considerable: los PO son de los pocos, por decir los únicos de los que dispone Teenage Engineering que pueden ser accesibles para la mayoría de la gente.



Su funcionamiento es bastante sencillo:

Se selecciona uno de los 16 patrones, y uno de los 16 sonidos, con los botones respectivos. Se puede alternar entre tocar notas con los botones, o introducirlas con el secuenciador por pasos, utilizando el botón “write”.
Cuando se mantiene apretado el botón “write” se pueden escribir parámetros por encima de las secuencias que se estén reproduciendo (los efectos funcionan de esta manera, también), permitiendo esto la automatización de patrones.
Se puede alternar también entre los presets de bpm o marcar un bpm específico y modificarlo de forma independiente.

En cuanto al diseño, consta sólamente de una placa de circuito: todos los componentes vitales y sensibles están colocadas debajo
 de la pantalla, y no hay necesidad de ninguna caja exterior.
Al ahorrar en componentes, los otros son de alta calidad, resultando así en la obtención del mejor sonido posible con el menor consumo de batería.



Todos los modelos se pueden complementar entre sí: las cajas de ritmos, bajos, sintetizadores lead y percusiones basadas en noise, ofrecen múltiples posibilidades para crear música.

jueves, 27 de abril de 2017

KRAFTWERK

A raíz de mi presentación sobre la música electrónica y electroacústica, he decidido terminar de conectar y explicar lo que se podría denominar como el principio de lo que conocemos hoy en día por música electrónica.


Todo empieza cuando a finales de los años 60, Florian Schneider y Ralf Hütter se encuentran en un curso en Duseldorff.
Juntos crearon un proyecto musical llamado Organisation (que posteriormente acabaría siendo lo que conocemos hoy en día por el nombre de Kraftwerk), al que se unirían más tarde Wolfgang Flür y Karl Bartos.

Sus primeros años se basaron en la experimentación, produciendo así numerosos discos de sintetizador e instrumentos tradicionales (electroacústica) en un marcado estilo Krautrock (corriente de rock y electrónica de la Alemania occidental al final de los años 60), considerado muchas veces un sugénero del rock progresivo).

En 1974 ya publican su primer álbum, ya para todo el mundo, titulado Autobahn, en el que solamente había ya música electrónica. Fue este álbum el que les lanza a la fama internacional, y supuso la entrada de la música electrónica en el mundo de la música urbana popular.
Antes apenas había habido usos de material electrónico, únicamente como forma ornamental y de forma muy esporádica.

A partir de ahí, comenzaron a explorar nuevas formas de obtener sonidos desde los medios electrónicos, sin perder su carácter pop, asentando así las bases de toda la música electrónica popular.

Además retomaron la estética con reminiscencias del futurismo y el constructivismo que habían facilitado el desarrollo de la electrónica y electroacústica a principios de siglo: mediante la estética en sus portadas de álbumes y carteles que imitaban el cartelismo constructivista de la URSS; la imagen con la que se presentaban: uniforme, impersonal  y robótica recuerda también a esos carteles. Su vestimenta recuerda a los años 50, época donde se expandió el género de ciencia ficción, tema que también tratan en sus letras.
También sus letras denotan futurismo: su nombre, Kraftwerk, significa central eléctrica en alemán, remitiendo a la tecnología y a la industria, conceptos en los que insisten en sus canciones, de forma llana, simple y objetivo, como algo cotidiano: energía nuclear, robótica, ordenadores,...
Presentaban un mundo de una sociedad hipotética en la cual el futurismo se ha establecido y se sirven de la imaginería de la ciencia ficción y de los años 50.

Es innegable la influencia que ha tenido Kraftwerk en la escena de música electrónica, gracias a ser los pioneros y por su estética. La escena electrónica se lo debe todo, en gran parte, a este gran grupo.



Die Roboter es un buen ejemplo para analizar:
El texto habla en primera persona sobre los robots, sin datos ni relevancia.
Hay un fragmento en checho que posiblemente pueda hacer referencia al origen del término de la palabra "robot" (empleado por primera vez por el dramaturgo checo Karel Capek en su obra R.U.R en 1921).
La letra es ambigua con un toque naif que podría indicar que la letra es irónica.
Esta forma de discurso entorno a la tecnología se repite en todos sus álbumes; nunca dieron una explicación clara a dichas letras,




lunes, 24 de abril de 2017

BOHEMIA: Antonín Dvořák

Antonín Dvořák nació en 1841, en Nelahozeves, en un entorno familiar que le encaminaba a un oficio alejado de la música. Sin embargo, su talento innato desvió su destino a escribir partituras sinfónicas, de cámara, vocales e instrumentales, de gran frescura y naturalidad, como su vida, que era sencilla y sin grandes pasiones (a parte de la cría de palomas y su afición por los trenes.
Él mismo afirmaba, en una carta de 1866, que era un músico checo normal. Pero él era más que un compositor de la región de Bohemia.



Brahms fue uno de los primeros en comprenderlo, pues afirmó que a él no se le ocurrían ideas principales por casualidad como le debía de ocurrir a Dvořák, quien tenía una inventiva abundante, con gran espontaneidad. Éstas características se transformaron principalmente en música absoluta, sin influencias literarias (al contrario que Smetana).
Gran parte de su producción se mantiene en el repertorio por su métrica, con gran animación y con originalidad en las modulaciones. También destacar su colorido tímbrico y sus melodías.



Se interesó por los cantos populares de todos los pueblos eslavos; escribió dumkas, polkas, furiantes, valses y mazurkas; sus oratorios fueron admirados e imitados en la Ingkaterra victoriana. En 1892 se le invita a dirigir el conservatorio de Nueva York.

En la cima de su carrera musical, escribió a su editor que él sólo componía por placer. Dos años más tarde, decide regresar a Bohemia, donde continúa enseñando y componiendo de manera fecunda hasta que muere en 1904.

Inicio del segundo movimiento de la sinfonía del nuevo mundo.


La obra que interpretó la banda del conservatorio de Segovia en el festival Musika Música fueron sus Valses de Praga:


viernes, 21 de abril de 2017

EL OBOE DEL CLASICISMO

Una vez aparece el oboe en el Barroco, durante el periodo siguiente, el Clasicismo, experimenta un deseo de mejora técnica, así como el afloramiento de las distintas características de cada país.

Se redujo la longitud del tubo, pero seguía teniendo seis agujeros principalmente distribuidos por dos grupos de tres, separados por un espacio más largo y por una clavija entre ellos. En el extremo más bajo, otro agujero era controlado por una llave permanentemente abierta, y articulada. El siguiente agujero, cerrado por una llave, daba el semitono cromático de re♯3. Aunque la escala principal del tubo era la de re mayor, los seis agujeros de los dedos eran, de alguna manera, ambiguos en su afinación, dejando gran libertad al instrumentista en materia de entonación e inflexión.


Sobre la caña se sabe poco, dada su delicadeza y la naturaleza perecedera de su material. Se pueden observar cañas en ilustraciones: lo único que se sabe es que eran más anchas que las actuales.


En este periodo se acepta por completo al oboe en la orquesta, siendo una de las voces más expresivas y por lo tanto obteniendo multitud de solos.

También destacó en la música de cámara, y estimuló a varios compositores a escribir algunas grandes obras, como a Telemann, y legó a su madurez gracias a Ludwig August Lebrun, compositor e importante oboísta de la orquesta de Mannheim.


jueves, 20 de abril de 2017

TEENAGE ENGINEERING OP-1

Llevaba mucho tiempo queriendo investigar más sobre sintetizadores y launchpads, me parece una forma muy curiosa de producir y manipular sonidos y que además me gustaría intentar en un futuro.

Voy a empezar hablando de este sintetizador, el OP-1, de la marca Teenage Engineering. Fue su primer producto, lanzado en 2011, a pesar de que yo lo descubrí hace relativamente poco.




Tiene un diseño poco convencional en aluminio, he de decir que,a mi parecer, muy atractivo; una pantalla OLED y ocho tipos de sintetizador.

Hay que decir que su diseño fue influenciado por el VL-1, un sintetizador y calculadora de bolsillo de 1980 de Casio.

Este sintetizador ha llegado a tener algunas críticas por presentar algunas limitaciones, pero la compañía defendió que estas limitaciones eran en verdad su gran cualidad, dado que esto estimula la creatividad. 

El OP-1 tiene algunos accesorios, usados para manipular algunas de sus cualidades. Uno de estos accesorios hace al sintetizador compatible con motores Lego, que se pueden usar para modular mecánicamente osciladores de frecuencias bajas y otros efectos.



Síntesis del sonido


Incluye ocho motores de síntesis, y para cada uno se disponen de cuatro "knobs" (no encuentro traducción para este término) que actúan como diferentes macro controladores. Además viene con ya preinstalados samples de batería.
El sintetizador es monotimbral, con seis voces de polifonía. También incluye radio FM que puede ser grabada o usada para modular efectos.
Sus motores de síntesis son, representados cada uno de forma distinta en la pantalla, los siguientes:

  • Cluster: produce un sonido saturado reminiscente del Roland JP-8000.
  • Digital: hace posible acceder a un puente de modulacion y de la forma de onda para distorsionar la señal de sonido.
  • DrWave: reproduce el sonido de un talk box.
  • FM: es un simple sintetizador de FM.
  • Phase: proporciona dos ondas que se pueden modular y saturar.
  • String: crea sonidos de cuerda.
  • Sampler: es un sampler que puede grabar del micrófono integrado del OP-1, de una entrada externa de audio, y de las ondas de FM mediante una antena.
Pantalla

Una pantalla de 320x160pixel OLED muestra gráficamente representaciones del modo que se esté usando en el OP-1. Algunos displays usan símbolos tradicionales, pero otros tienen gráficos innovadores: por ejemplo el efecto "punch" (un compresor de ondas) se representa por una ilustración de un boxeador.



El teclado

Tiene velocidad ajustable, con 24 teclas con un registro de dos octavas. También dispone de teclas con flechas para cambiar de octava mientras se sintetiza o se está en modo batería. Esto al final nos da un total de registro de 10 octavas.
Arriba: VL-1 de Casio
Abajo: OP-1

Algunos músicos de renombre que han utilizado el OP-1 alguna vez han sido Swedish House Mafia, Avicii, Nicky Romero, Deadmau5, Depeche Mode, Chvrches, Dan Deacon, Beck,...




Desde mi punto de vista, según los vídeos que he visto (no he tenido ocasión de probar uno) me parece un sintetizador muy curioso y original, a pesar de que digan que tiene limitaciones, su estética me parece bastante atractiva y con funciones completas.

Es verdad que a la hora de querer producir música una vez grabado en el OP-1 hay que pasarlo a un programa de edición como Ableton o FLstudio. Aún así me parece curioso para experimentar tanto con el sintetizador como con los programas de edición posteriores.
En cuanto el nivel que requiere, no estoy segura, simplemente hay que mirar para qué quieres usar el sintetizador y si éste se adecua a lo que requieres.

Yo me lo compraría, pero desafortunadamente no es apto para todo tipo de bolsillos, ya que su precio ronda cerca de los 1000 euros por lo que he podido ver.

Aún así, mi valoración es cuanto menos positiva.

Aquí dejo un par de vídeos de un canal que trastea bastante con sintetizadores y que me parece muy interesantes, por si sirve como complemento. También dejo un vídeo de edición en Ableton.









lunes, 17 de abril de 2017

BOHEMIA: Bedřich Smetana



Bedřich Smetana nace en 1824 en Litomyšl, al este de Praga. Su familia favoreció el desarrollo de su gran talento y la gran vocación de un niño precoz que de forma autodidacta pronto destacó como pianista habilidoso y compositor rudimentario aunque entusiasta, el cual decía: "Con la ayuda y gracia de Dios, seré un Mozart en la composición y un Liszt en la técnica".


Liszt le impresionó en su adolescencia como intérprete virtuoso y después como creador de una música con connotaciones dramático-teatrales. Es a partir de entonces cuando Smetana asume la idea del poema sinfónico, y su fama internacional se basó en la inspiración que emana de las obras que compuso en este género, y también de sus óperas, al resultarle más penoso escribir música absoluta/abstracta, sin ninguna inspiración extramusical.


Su lenguaje se desenvuelve maravillosamente en lo natural. Su gran e inspirado sentido melódico, su amor por el aire festivo y vital de las danzas populares, la melancolía de algunos paisajes, fascinación por lo épico y su sutil manejo para la orquestación, junto con su gran capacidad para comunicar sentimientos (había a veces incluso anotaciones explícitas en las partituras) crean una atmósfera inigualable y mágica.


Es considerado el primero compositor checo en la época donde los nacionalismos empezaban a asomar por Europa, intentando sacudirse los imperialismos. Hizo muchísimo por la música bohemia: composición, organización,...
Tras la relativa autonomía que se otorgó a la región de Bohemia en 1860, Smetana contribuyó a establecer una vida musical propia: implantó un programa regular de conciertos, ejerciendo la crítica musical noble y fundamentada, y dirigiendo la ópera checa.
En 1874 su sordera le apartó de sus cargos oficiales, y diez años más tarde, en 1884, la locura acabó con su actividad creadora y con su vida.

Las obras de Smetana que interpretamos en el festival Musika Música fueron las siguientes: sus Marchas Revolucionarias y El Moldava, poema sinfónico de su colección Mi Patria.










lunes, 10 de abril de 2017

FESTIVAL MUSIKA MÚSICA 2017: BOHEMIA

El pasado mes de marzo la Banda de Enseñanzas Profesionales del Conservatorio de Segovia tuvo el honor de participar en el festival Musika Música celebrado cada año en Bilbao, durante los días 2, 3, 4 y 5, en el Palacio Euskalduna Jauregia.
Es un festival en el cual cada año se realiza una temática diferente, y este año los conciertos giraron en torno a la región de Bohemia: se realizaron un total de 75 conciertos con repertorios de una selección de compositores como Smetana, Dvořák, Janáček y Mahler.




Me gustaría primeramente hablar de mi experiencia en el festival. Nunca había estado en ningún evento así, y fue una experiencia increíble. Obviamente la entrada a los conciertos de los conservatorios era gratuita, pero aún así la estancia y las comidas nos fueron suministradas por la organización del festival, un punto que opines muy importante dado que promueve la asistencia al festival. Por participar además se te hacía entrega de una acreditación con la que, media hora antes de cada concierto, podías optar a una entrada de forma gratuita si había disponibles. Aún así, las entradas son muy económicas, no había ninguna creo que superara los 13euros, que es lo que pagué para tener una entrada asegurada para ver la 2ª de Mahler.
Fue una gran experiencia, poder tocar en un festival de ese calibre en donde cada año se reúnen miles de personas para disfrutar de la música.
Mencionar también el increíble auditorio del Euskalduna: impresionante, con localidades con buena visión desde todos los ángulos y una muy buena acústica. Me encantó el detalle de que en el techo tiene pequeñas luces que permanecen encendidas durante las interpretaciones, asemejándose a las estrellas.



Con motivo de este festival decidí hacer la presentación en clase sobre el Nacionalismo, ya que las obras que interpretó la banda fueron nacionalistas: de Smetana y de Dvořák, y por eso mismo voy a dedicar unas entradas para hablar brevemente de estos cuatro compositores del festival.

Pero antes de empezar, introducir el contexto de su música y de la región de Bohemia:

La región de Bohemia exportó músicos a las principales cortes y capillas de Europa durante varios siglos, contribyendo muchos de ellos a la evolución de la orquesta y a la madurez de la sinfonía: la educación musical se impartía con esmero, y estaba al alcance de toda la ciudadanía. Pero la música no era genuinamente checa.
Es por eso que a mediados del siglo XIX los compositores empezaron a cultivar su propia música dieran de lado la europeización de su arte y echaran mano de su copioso folklore: cantos con sentidas melodías y danzas con ritmos atractivos.
Esto evolucionó, llegando a su esplendor con la rebelión de Praga en 1848: el primero fue Smetana, luego Dvořák, y Janáček; por último, Mahler.

domingo, 9 de abril de 2017

EL OBOE BARROCO

Continuando con la historia del oboe, nos adentramos ya en el Barroco, viendo que es donde finalmente nace el oboe como instrumento. 

Se considera que fue Jean Hottetere, francés, quien diseñó el primer oboe. 

Pues bien, Hottetere era el gaitero oficial de la corte, y además fabricaba instrumentos: hizo algunos experimentos y adaptaciones con chirimías y gaitas, desarrollando finalmente el oboe de tres partes, aceptado rápidamente en la corte francesa. Fue probado primeramente en el ballet L'amour malade (1657) de Lully, aunque se considera su primer uso osquestal en la ópera Pomone (1671) de Robert Cambert.

Fue Cambert quien, cuando viaja a Inglaterra para supervisar la mascarada Calisto de Crowe y Staggins, se lleva consigo algunos oboistas franceses, haciendo que el hautbois se hiciera popular allí también.
Por eso en 1681, Henry Purcell compone por primera vez para oboe, y posteriormente lo incluiría frecuentemente en sus obras.
Es en Inglaterra también donde se publica el primer manual de oboe: The Sprightly Companion.

A partir de entonces, y durante todo el siglo XVIII el oboe va a gozar de una gran popularidad en Europa, siendo muy utilizado; las chirimías van a quedar ya en el olvido.

Tenemos una idea de cómo era el primer oboe gracias a la descripción del sacerdote James Talbot: 
  • Seis orificios: tres para cada mano. Dos de ellos, lel tercero de la mano izquierda y el primero de la derecha, eran dobles, para realizar las notas fa, #fa, sol, #sol.
  • Dos llaves pequeñas cerradas para el re3.
  • Una llave simple para el do3.
  • La campana tenía dos orificios para poder afinar el instrumento.
  • La caña era parecida a la que tenemos hoy en día.
  • Su registro constaba de dos octavas cromáticas completas: del do3 al do5.
  • No tenía llaves de octava: para cambiar de octava se recurría al tránsito de armónico o una digitación alternativa.

En el minuto 2:03 podemos disfrutar de un interludio de oboe contestando a la cantante.