domingo, 27 de noviembre de 2016

NOTACIÓN MUSICAL DEL RENACIMIENTO

Hasta el siglo XV se vino utilizando la notación del Ars Nova con algunas modificaciones, pero en el Renacimiento se añadieron elementos nuevos.

   

Las composiciones en ésta época estaban escritas en particellas (partituras con el contenido de una única voz, interpretada bien por un solista o por un grupo de personas que tocan/cantan lo mismo).

Como en la notación del Ars Nova:
  • Cada breve (una cuadrada) equivalía a dos/tres semibreves (redonda). Traducido a los valores de hoy en día, es igual que una negra, que puede equivaler a dos o tres corcheas (tresillo).
  • Igualmente de la mínima (una blanca) se pueden obtener de dos o tres valores más cortos de cada semibreve. Estas permutaciones son llamadas "tempus perfectus/imperferctus" según la relación breve-semibreve y "prolación perfecta/imperfecta" según la relación semibreve-mínima.
La relación tres-uno se llama "perfecta" y a la dos-uno "imperfecta".

Valores de nota desde la breve breve hasta la fusa y sus correspondientes silencios.
Había dos figuras adicionales mayores, longa y maxima.


Si las figuras se encontraban aisladas, había reglas para reducir a la mitad o doblar su valor ("imperfeccionaban" o "alteraban, respectivamente). 

La notación mesural blanca resultó de la popularización del uso del papel, sustituyendo al pergamino, y al ser más débil no permitía que la pluma rellenara las notas, al contrario que la anterior notación escrita en pergamino (la notación negra). 

Más tarde sí que se rellenarían las notas, pero para indicar imperfecciones o alteraciones, por ejemplo. Las figuras que tenían la cabeza negra eran menos habituales: la cabeza de una mínima se rellenaba para generar una semimínima y al añadir uno o dos indicadores, se producía la fusa y la semifusa.

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Notación mensural del sXV
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Notación mensural anterior al sXV

El uso de las claves se regulariza en esta época (a pesar de que se llevaban usando desde el siglo XII) para que el ámbito de lectura no se saliera demasiado del pentagrama.

En el siglo XVII se añade la barra de compás.

También aparecen las tablaturas en esta época, bien para cuerda pulsada (laúd, tiorba) o de teclado (órgano) y había diferentes: alemana, española, italiana, inglesa, y francesa.

Es ya a finales del siglo XVI cuando la forma de estas notas, romboidal, se transforma en las cabezas redondas de hoy en día.

miércoles, 9 de noviembre de 2016

EL OBOE EN LAS CIVILIZACIONES ANTIGUAS



Como oboísta que soy, no puedo sino ir haciendo un repaso de la historia de mi instrumento a la vez que vamos viendo los distintos periodos musicales.

Para empezar, podemos remontarnos a las civilizaciones antiguas, como Babilonia y Mesopotamia, aproximadamente sobre el 3000 a.C., conocido como abud, y era completamente distinto al instrumento que conocemos hoy en día.
Elymoi
(flauta doble, de origen frigio, popular en Babilonia)
1000 años más tarde, un instrumento antecesor del oboe llamado majt tenía gran importancia en la música de Egipto. Tenía una doble lengüeta y su cuerpo estaba fabricado en tallos de bambú.

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Zummara
(descendiente de la chirimía doble egipcia)


A su vez, en la civilización griega el aulos, el cuál poseía un timbre alto y poderoso, y era complejo de tocar. Como anécdota, a Platón este instrumento le causaba una sensación desagradable por su sonido agudo, y lo consideró un mal instrumento, llegando a manifestarse contra él en su obra "La República". Su discípulo Aristóteles dejó constancia de este instrumento de una forma neutral en "Arte Poética"

Aulos griego
Destacar que fue el instrumento aerófono más importante de toda la civilización griega. La educación musical era muy importante en esta sociedad, tanto que la ley dictaba que hasta los treinta años de edad era obligatorio el estudio de la música, y en ciertas ciudades como Atenas, Esparta y Tebas todo ciudadano aprendía a tocar el aulas
Más tarde este instrumento aparecería en Roma también ( llamado tibia).

Respecto a las culturas orientales, en China (guan), Japón (hichiriki), India (sahnai) e incluso en África Occidental (algaita) también aparecen instrumentos similares, siendo también antecesores del oboe.

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Guan y hichiriki


Para finalizar, he encontrado un vídeo, que está en inglés y es extenso, pero que explica muy bien en qué consiste el aulos, junto con otros instrumentos parecidos de oriente, por ejemplo en Iraq, e incluso enseña las cañas detalladamente.

EL MONOCORDIO Y PITÁGORAS



El monocordio es un instrumento musical, de una sola cuerda, siendo ésta fija en sus dos extremos a una caja de madera (caja de resonancia) y elevada por un pequeño puente. Está dividido en nueve partes grabadas con nueve letras del alfabeto. Cuando se pinza según determinadas posiciones, suenan las distintas notas al acortar o disminuir la longitud de la cuerda. Es un instrumento que servía para acompañar a una monodia de forma unísona. 




Para afinarlo simplemente hay que tensar la cuerda cuanto se desee para obtener la frecuencia o nota que se busca.

Pitágoras (569-475 a.C.; filósofo y matemático griego, fundador de la Escuela pitagórica) demostró que la frecuencia de un sonido va a ser inversamente proporcional a la longitud de dicha cuerda, es decir, a menos longitud, más frecuencia; y cuanto mayor es la frecuencia de un sonido, mayor es su altura. Con este instrumento Pitágoras definió los intervalos musicales y las relaciones numéricas entre unos y otros, siendo así una vez más evidente la relación que tienen la música y las matemáticas.

En su escuela, este instrumento se usó para enseñar de forma teórica y práctica la música, e incluso para investigaciones filosóficas y experimentales.

También importantes matemáticos y mentes brillantes se fijaron en la relación de este instrumento. Euclides basó parte de la geometría euclidiana en la división del monocordio; Ptolomeo se basó en el monocordio para desarrollar divisiones en el tetracordio. Fue también un importante instrumento de cara a la época del Renacimiento, puesto que al ser este movimiento una vuelta a los valores de la antigüedad, el monocordio era una prueba de que las relaciones armónicas se podían verificar y medir, y de ahí se podía crear arte.

El experimento se trata básicamente de ir disminuyendo la longitud con la cual la cuerda vibra.

Supongamos que la cuerda completa produce un Do3:
   
     - Si pulsamos en la mitad de la cuerda, la frecuencia es el doble, y sonará la misma nota pero más aguda: se produce por lo tanto una 8ª.
     - Si pulsamos a una distancia de 2/3 en la cuerda, la frecuencia va a ser la correspondiente, de manera aproximada, a lo que sería una 5ª de Do3, un Sol.
      - Si pulsamos a una distancia de 3/4 en la cuerda,  sonará una 4ª respecto a Do3, es decir, un Fa.


Representación de las ondas estacionarias en el
 monocordio en las distintas longitudes de cuerda




En estos dos videos se amplia lo explicado anteriormente y se muestra en un sentido práctico.

lunes, 17 de octubre de 2016

MÚSICA ACTUAL EN JAPÓN

Ya hablamos de la música china tradicional, y siguiendo en la línea de la música oriental, vamos a hablar de Japón, pero esta vez de la música actual que allí se escucha.

En Japón hay una gran variedad de estilos, venidos todos ellos de otros países: rock, electro, punk, metal, reggae, salsa, tango,...


La música en japonés se denomina con los kanjis 音楽 (leídos "ongaku"). Para algunos estilos de música japonesa se utiliza el término "J-Music", normalmente son estilos adoptados de occidente.

Pero es interesante centrarse en dos aspectos fundamentales: los distintos géneros y las diferencias con occidente en cuanto al mercado musical se refiere. En este post hablaré de los géneros de forma resumida, y en un post posterior haré un breve repaso por ciertas diferencias importantes en el mercado musical japonés.

                Voy a comenzar por el J-Core (como se puede apreciar lleva la nomenclatura de un estilo que ha sido adoptado de occidente). Este estilo va a derivar prácticamente del Techno Hardcore, pero con influencias de estilos como el Mákina, Gabber, Happy Hardcore o Hardstyle, estilos que superarán los 150BPM; por lo tanto surge a finales de los años 90. Juntando estas influencias con fragmentos de anime, videojuegos e idol J-pop (muestras de la cultura otaku) mediante un sintetizador y un ordenador, nace este estilo musical, que se va publicar sus canciones de forma autónoma.

                                            (influencia del Techno Hardcore)

                                      (influencia del Hardstyle directamente)

                El J-Pop es el Pop creado en Japón: estilo que deriva de la música electrónica y del pop principalmente, con tintes de folk y de música tradicional de Japón; también influencias de bandas como The Beatles y The Beach Boys. Es un género que nace en los años 20, experimentando un decline a partir de los años 80, y adoptando su nombre actual y volviendo a florecer a partir de los años 90. Utiliza samples, flauta, batería, guitarras, loops,... Este sí es un estilo comercial, no como en el J-Core ya que existen discográficas profesionales.



                El J-Rock es el rock creado en Japón: deriva del rock y sus variantes (psicodélico, blues, ácido, pop rock...). Tiene gran importancia en la actualidad, no sólo en Japón sino también fuera del país. Surge sobre os años 60, alcanzando más popularidad en los años 90, aburridas las nuevas generaciones del Synth-Pop. Los instrumentos principales son guitarras, bajo, teclado y batería, junto con vocales.



                Por último destacar la aparición del género denominado Vocaloid. El nombre viene del programa usado para producir esta música, puesto que se trata de un software de síntesis de voz capaz de cantar, producido por Yamaha Corporation gracias a la idea original de Music Technology Group de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.
                Este software da la posibilidad de sintetizar canciones simplemente escribiendo la letra y la melodía (tiene tal tecnología de sintetizado que simplemente se graba el canto de actores de doblaje o de cantantes), y este programa permite cambiar las pronunciaciones, añadir virbato, dinámicas y el tono de la voz. Hay ya varias versiones de este software. El nivel es tal que algunos "cantantes" de Vocaloid se han vuelto famosos, como por ejemplo Hatsune Miko o Kagamine Rin y Len.



                Cabe destacar que poco antes de los 2010s la música en la animación japonesa fueron importantes para el J-Pop, junto con el J-Core,  el J-Rock y el Vocaloid, que influyeron junto con la música independiente japonesa en las bandas sonoras de series de animación, siendo estas canciones los openings y los endings (canciones al principio y al final de cada episodio).
                El mismo opening de Digimon, y algunas otras canciones de la serie son cantadas por Wada Kooji, un cantante de pop:


Cada género es un mundo, estas son unas pequeñas descripciones para formar una ligera idea de qué es lo que se escucha actualmente en Japón y de las influencias que ha tenido la música occidental en ella a pesar de mantenerse unas raíces de música propia japonesa.

sábado, 8 de octubre de 2016

MÚSICA TRADICIONAL DE CHINA

Su origen se remonta a la aparición de la civilización china, dado que se conservan documentos e instrumentos que prueban la cultura musical ya desde el año 1122 a.C., durante la Dinastía Zhou. Según la mitología china, el creador de la música y los cantes fue Ling Lun, el cual hizo cañas de bambú que sonaban como los pájaros.

Hoy en día, la música sigue teniendo especial relevancia en la cultura China, ya que se conservan las tradiciones musicales que ha habido desde entonces, todo esto principalmente en la China continental, ya que la música se ha comercializado más en Hong Kong y en Taiwán.


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Pero centrémonos primero en el desarrollo de la música tradicional:

La cultura musical china surge durante La Dinastía Zhou, y ésta cultura se propagó y fomentó durante toda la Era de las Dinastías (1122 a.C. - 1911 d.C.). Por ejemplo, el órgano encargado de la música imperial (implantado en la Dinastía Qin) fue expandido, y se le encargó supervisar música cortesana, militar, y la folclórica merecedora de ser reconocida oficialmente.
A través de  todo ese periodo de tiempo, la música se consideró clave para la armonía y la longevidad del Estado (a pesar de que los músicos tenían menos categoría que los pintores). También se tomó en cuenta la existencia de la música folclórica, observando al pueblo y preservando dichas piezas.

Durante la Era de la República de China (1912 - 1949) el interés por la música occidental creció, empezando a estudiar música fuera del país y usando el sistema de notación extranjero. Por lo tanto muchas fueran las influencias recibidas, hasta el punto de incluir elementos provenientes del jazz en la música tradicional (saxos, xilófonos). Durante esta etapa la música tradicional sería utilizada por los comunistas para crear canciones revolucionarias y educar a la población rural.

En la Era de la República Popular China (1949 - 1990) la música popular es denunciada por el Partido Comunista como pornográfica, ya que pensaban que la música popular hacía que la forma artística declinara. Se seguirán promoviendo las canciones revolucionarias, e incluso aceptadas como único genero.
Después de las protestas de 1989 la música daría un giro dando lugar al rock chino, que estaría en alza durante los noventa.

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Ahora explicaré  brevemente los diferentes géneros dentro de la música tradicional china:

La música instrumental, normalmente interpretada por instrumentos solistas o grupos de cuerdas (punteadas y frotadas), flautas, platillos, gongs y tambores. Utilizan una escala pentatónica, y la clasificación de los instrumentos es según el material del cual están hechos. Las orquestas chinas suelen estar formadas por cuerdas frotadas y punzadas, viento madera y percusión.

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Sheng
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Ruan

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Gehu

En cuanto a la música vocal, se canta más en solo que en coro, teniendo preferencia por la melodía más que por la armonía, y es tradicionalmente cantada en falsete.

La música étnica Han, música heterofónica (variación simultánea de una única línea melódica), en la que la percusión acompaña la música, la danza y la ópera.

La Ópera china, muy popular sobre todo la Ópera de Pekín. Se trata de música gutural con vocales de tono alto. Suele estar acompañada por una suona, un jinghu y otros instrumentos de cuerda y percusión.

Hay variados tipos de música folclórica. Suele ser diversa: alegre, lúgubre o basada incluso en música pop occidental o de TV. Hay muchos tipos de folclórica, como los Sizhu (música armoniosa y melodiosa, con flautas y cuerda punteada/frotada), el Naguan (género de baladas, tristes y de luto, cantadas por una mujer acompañada por una flauta xiao, una pipa y otros instrumentos tradicionales) o la música Guangdong (que tiene hasta influencias del jazz y de la música occidental).


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Sin duda alguna, la cultura china ha conservado en gran medida la tradición, lo que nos permite aprender más y apreciar mejor sus costumbres.