Para acabar esta serie de entradas, tenemos que termnar hablando de Gustav Mahler.
Fue fruto de las múltiples encrucijadas que marcaron la vida de los habitantes de Bohemia, quienes estaban bajo la dominación de los Habsburgo desde el sXVI, y de sus padres los cuales no estaban muy unidos.
Sus experiencias infantiles y la paradoja de la muerte en la plenitud de la vida se manifiestan mucho en su música, como además lo militar, lo popular, el amor por la naturaleza o unn sentimiento de desubicación espiritual: lo trágico se mezcla con lo frívolo, siendo elementos complementarios e inseparables: lo alegre y lo dramático; lo banal y lo transcendente; la euforia y ladepresión: todo esto refleja el alma de Mahler.
Nace en Kaliště en 1860, siendo descendiente de judíos alemanes que se habían instalado a principios del sXIX en la región: un grupo étnico racialmente marginado, el cual había perdido toda identificación con su herencia religiosa, procurando integrarse en la cultura austroalemana.
Mahler anhelaba la fe, acosado por una duda perpetua.
Estuvo 10 años al frente de la Ópera de Viena. Enseñó a un público superficial a reverenciar a los clásicos y les hizo escuchar versiones completas, valorando la disciplina musical de los intérpretes, con un temperamento fogoso, una inquebrantable devoción a sus ideales estéticos y una voluntad inflexible. Como director pretendió crear un mundo sonoro que romppiera con la pasividad al escuchar, convirtiendo la audición en un compromiso: "En toda representación la obra debe renacer nuevamente".
En su faceta de compositor, la inquietud de su música se nota en el lenguaje tan personal con melodías extensas con gran lirismo y armonías ricas y expresivas que utiliza. Su sensibilidad y conocimiento del color del timbre se manifiesta en su orquestación, alternando claridad con densidad sonora.
Él afirmaba que la distancia que lleva hasta el más allá es condición imprescindible para que se aprecie en su justo valor la especie de fenómeno que representa.
Fallece en Viena.
En este post hablaré brevemente de cada uno de los tres modelos de esta serie, dado que cada uno presenta distintas características,aunque puedan usarse todos juntos:
PO-12 "Rythm":
Es básicamente una caja de ritmos, con un secuenciador de 16 pasos, y 16 sonidos diferentes (mezcla entre samples y síntesis: delay, bit cruiser y filtro para realzar sonidos percusivos.).
Sintetizador de ritmos.
Sonidos de ritmo sintetizados.
Sonidos muestreados de baterías reales.
16 efectos: delay, bit cruiser y filtro.
Auto Compresor.
Limitador hardware.
Bloqueo de parámetros.
Multiplicador de pasos.
Secuenciador de16 pasos.
16 patrones.
Herramienta de redobles.
Encadenamiento de patrones.
Reloj con alarma.
JamSync con función “audio through”.
Entrada de audio Jack de 1/8″.
Salida de audio Jack de 1/8″.
Pantalla LCD animada.
Soporte plegable.
Funciona con pilas AAA.
2 años de duración en Standby.
PO-14 "Sub":
Es un sintetizador de líneas de bajo, con un secuenciador de 16 pasos, 16 sonidos y 16 efectos/estilos. Incluye varios motores de sintetizador reales, incluyendo fm, síntesis sustractiva, tabla de ondas y cadena de modelado físico.
16 efectos: delay, bit cruiser y filtro.
Auto Compresor.
Limitador hardware.
Bloqueo de parámetros.
Multiplicador de pasos.
Secuenciador de16 pasos.
16 patrones.
Herramienta de redobles.
Encadenamiento de patrones.
Reloj con alarma.
JamSync con función “audio through”.
Entrada de audio Jack de 1/8″.
Salida de audio Jack de 1/8″.
Pantalla LCD animada.
Soporte plegable.
Funciona con pilas AAA.
2 años de duración en Standby.
PO-16 "Factory":
Es un sintetizador para crear melodías y leads, con un secuenciador de 16 pasos, 16 sonidos y 16 efectos/estilos; con bloqueo de parámetros, inserción de efectos, arpegios y estilos. Incluye varios motores de sintetizador reales, incluyendo FM, síntesis sustractiva, tabla de ondas y cadena de modelado físico.
16 arpegios punch-in y estilos de acordes.
16 efectos: delay, bit cruiser y filtro.
Bloqueo de parámetros.
Auto Compresor.
Limitador hardware.
Multiplicador de pasos.
Secuenciador de16 pasos.
16 patrones.
Herramienta de redobles.
Encadenamiento de patrones.
Reloj con alarma.
JamSync con función “audio through”.
Entrada de audio Jack de 1/8″.
Salida de audio Jack de 1/8″.
Pantalla LCD animada.
Soporte plegable.
Funciona con pilas AAA.
2 años de duración en Standby.
Como se puede apreciar, solo se diferencian en el tipo de sonidos que puedes producir con cada uno.
Los vídeos son una interesante guía para ver cómo funcionarían.
De Leoš me habría gustado profundizar más en la presentación relaizada en clase, pero con motivo del festival decidí dedicarle una entrada en el blog.
La verdad es que poca gente conoce a Leoš Janáček, quizás porque el sentimentalismo no se deja ver en sus partituras, a pesar de que esto no implique que su obras estén exentas de tensiones emocionales.
Nace en Hukvaldy en 1854, y dedica buena parte de su vida y de su esfuerzo profesional a estudiar el folklore de las regiones de Moravia y Bohemia, de forma rigurosa y sistemática, defendiendo que el lenguaje hablado debería ser el punto de partida de gran parte de la música.
Él aspiró a una melodía plástica, organizada según los ritmos y las inflexiones del discurso verbal, y, según una afirmación suya: "bebí en las melodías de la palabra hablada y esto me ha enseñado que todos los misterios de la música se resuelven en los motivos rítmicos y melódicos del lenguaje de los pueblos".
Otra gran fuente de inspiración fue la naturaleza y su fascinación casi mística que le despertaba: "me deleito en el canto de los pájaros, me impresiona cómo el ritmo se manifiesta de infinitas maneras en el universo inagotable de luz, el color y las formas que nos rodean. Mi música se rejuvenece en el contacto siempre renovado con la madre Naturaleza".
Su estética nace en el seno del Romanticismo, pero evoluciona hacia una armonía moderna, pulida y versátil, con ritmos concisos e incisivos con acentos marcados. Su orquestación es un torrente de luminosos colores y su discurso se aleja de las formas tradicionales, con una estructura como de mosaico, persiguiendo la variación continua de unos cuantos motivos.
Milan Kundera llamó "revolución del despojamiento" la originalidad de su música.
Janáček obtuvo el reconocimiento público por azar, pasados los sesenta años ya, al final de su vida, al igual que un amor apasionado, que cultivaba con la misma pasión y ardor juvenil que a su jardín musical.
Muere en Ostrava, en 1928.
La estética del Romanticismo y la Revolución industrial dieron las circunstancias ideales para la evolución sonora y la mecanización del oboe. La delicada precisión del instrumento precisó del desarrollo mecánico de las máquinas. El espíritu romántico permitió investigar y probar hasta lograr el sonido que se deseaba en el oboe.
A partir de 1820 aparece el oboe de trece llaves de Joseph Sellner, profesor de orquesta en Viena quien ejerció durante mucho tiempo su influencia sobre la concepción alemana del instrumento. Había añadido algunas llaves dobles, creando su llamado «oboe de llaves», el más avanzado de su tiempo: la base del instrumento de estilo vienés utilizado hoy en día.
Fue también precursor del corno inglés moderno: un instrumento de cuerpo recto con el bocal curvo. Sus composiciones, estudios y sonatas dan fe de la capacidad del oboe hasta 1840, proporcionando además estudios útiles para el instrumento de hoy.
François Loreé crea su propia empresa de fabricación en exclusiva de oboes en 1881 (F. Lorée), continuando el trabajo y la tradición de Frédéric Triébert. Obtuvo el contrato como suministrador de oboes al Conservatorio de París en 1881.
Frédéric Triébert
Se piensa que el profesor de oboe del Conservatorio de París, Georges Gillet, alentó a Lorée a que abriera su propio taller, y es el hecho de que Lorée obtuviera dicho contrato antes de fabricar un solo oboe bajo su propio nombre, y que colaborara con Gillet en la mejora del sistema . Desde entonces a este sistema se le llamó sistema conservatorio, el cual tenía como mejora que los tres primeros dedos de la mano derecha (índice, corazón y anular) podían operar el mecanismo del si3-do4.
Método de estudio, válido para oboe y también para saxofón
Siguiendo la línea del OP-1, nos encontramos que el mismo fabricante, Teenage Engineering dispone también de sintetizadores de bolsillo.
Y la verdad es que sorprenden a cualquiera al poder tener tal cantidad de posibilidades siendo tan pequeños.
Los PO disponibles se dividen en la serie PO-10 (Sub, Factory y Rythm) y PO-20 (Arcade, Office y Robot) y el nuevo PO-32.
Al ser de bolsillo, todo se concentra en el tamaño parecido al de un móvil, y están compuestos por una pantalla LCD con gráficos animados, e incluyen motores reales de sintetización, sincronización, efectos (filtros, bit-crushing, delay, stutter,...). También incluyen metrónomo, alarma, y un altavoz, aunque también disponen de un jack de 3.5mm para auriculares o altavoz externo.
Todos tienen sonidos completamente diferentes, lo que les hace una adquisición perfecta para aquellos amantes de la música electrónica que les guste experimentar con sonidos que tienen una vertiente más underground.
Su relación calidad precio parece evidentemente buena comparándoles con otros sintetizadores de tamaño similar: tienen una gran amplia variedad de sonidos y su sonido es excelente frente a otros hardwares de tamaño similar que triplican su precio: se puede adquirir por nada menos que 69 euros.
Si recordamos el precio del OP-1, la verdad es que hay una diferencia considerable: los PO son de los pocos, por decir los únicos de los que dispone Teenage Engineering que pueden ser accesibles para la mayoría de la gente.
Su funcionamiento es bastante sencillo:
Se selecciona uno de los 16 patrones, y uno de los 16 sonidos, con los botones respectivos. Se puede alternar entre tocar notas con los botones, o introducirlas con el secuenciador por pasos, utilizando el botón “write”.
Cuando se mantiene apretado el botón “write” se pueden escribir parámetros por encima de las secuencias que se estén reproduciendo (los efectos funcionan de esta manera, también), permitiendo esto la automatización de patrones.
Se puede alternar también entre los presets de bpm o marcar un bpm específico y modificarlo de forma independiente.
En cuanto al diseño, consta sólamente de una placa de circuito: todos los componentes vitales y sensibles están colocadas debajo
de la pantalla, y no hay necesidad de ninguna caja exterior.
Al ahorrar en componentes, los otros son de alta calidad, resultando así en la obtención del mejor sonido posible con el menor consumo de batería.
Todos los modelos se pueden complementar entre sí: las cajas de ritmos, bajos, sintetizadores lead y percusiones basadas en noise, ofrecen múltiples posibilidades para crear música.
A raíz de mi presentación sobre la música electrónica y electroacústica, he decidido terminar de conectar y explicar lo que se podría denominar como el principio de lo que conocemos hoy en día por música electrónica.
Todo empieza cuando a finales de los años 60, Florian Schneider y Ralf Hütter se encuentran en un curso en Duseldorff.
Juntos crearon un proyecto musical llamado Organisation (que posteriormente acabaría siendo lo que conocemos hoy en día por el nombre de Kraftwerk), al que se unirían más tarde Wolfgang Flür y Karl Bartos.
Sus primeros años se basaron en la experimentación, produciendo así numerosos discos de sintetizador e instrumentos tradicionales (electroacústica) en un marcado estilo Krautrock (corriente de rock y electrónica de la Alemania occidental al final de los años 60), considerado muchas veces un sugénero del rock progresivo).
En 1974 ya publican su primer álbum, ya para todo el mundo, titulado Autobahn, en el que solamente había ya música electrónica. Fue este álbum el que les lanza a la fama internacional, y supuso la entrada de la música electrónica en el mundo de la música urbana popular.
Antes apenas había habido usos de material electrónico, únicamente como forma ornamental y de forma muy esporádica.
A partir de ahí, comenzaron a explorar nuevas formas de obtener sonidos desde los medios electrónicos, sin perder su carácter pop, asentando así las bases de toda la música electrónica popular.
Además retomaron la estética con reminiscencias del futurismo y el constructivismo que habían facilitado el desarrollo de la electrónica y electroacústica a principios de siglo: mediante la estética en sus portadas de álbumes y carteles que imitaban el cartelismo constructivista de la URSS; la imagen con la que se presentaban: uniforme, impersonal y robótica recuerda también a esos carteles. Su vestimenta recuerda a los años 50, época donde se expandió el género de ciencia ficción, tema que también tratan en sus letras.
También sus letras denotan futurismo: su nombre, Kraftwerk, significa central eléctrica en alemán, remitiendo a la tecnología y a la industria, conceptos en los que insisten en sus canciones, de forma llana, simple y objetivo, como algo cotidiano: energía nuclear, robótica, ordenadores,...
Presentaban un mundo de una sociedad hipotética en la cual el futurismo se ha establecido y se sirven de la imaginería de la ciencia ficción y de los años 50.
Es innegable la influencia que ha tenido Kraftwerk en la escena de música electrónica, gracias a ser los pioneros y por su estética. La escena electrónica se lo debe todo, en gran parte, a este gran grupo.
Die Roboter es un buen ejemplo para analizar:
El texto habla en primera persona sobre los robots, sin datos ni relevancia.
Hay un fragmento en checho que posiblemente pueda hacer referencia al origen del término de la palabra "robot" (empleado por primera vez por el dramaturgo checo Karel Capek en su obra R.U.R en 1921).
La letra es ambigua con un toque naif que podría indicar que la letra es irónica.
Esta forma de discurso entorno a la tecnología se repite en todos sus álbumes; nunca dieron una explicación clara a dichas letras,
